Bruno Maciel Collazzo | _brunoomaciel

La exposición Gurvich y La voz de la ciudad: Dibujos del Cerro y Montevideo (1946-1968) propone entrar en el universo de José Gurvich con un recorrido que cada uno puede armar a su manera. La muestra recién inaugurada incluye 126 dibujos desplegados entre paredes de un ligero lila pastel, módulos y espacios de pausa que alteran la habitual neutralidad del cubo blanco y su lectura como sala. La disposición evita una secuencia cronológica estricta: se dan pequeñas constelaciones, se aproximan por sus afinidades y abren conexiones que no conducen necesariamente a un único destino. Enrique Aguerre, responsable de la curaduría, pensó el montaje junto con Ariel Alarcón como una composición de ritmos, con algo de partitura musical. El visitante puede avanzar, volver sobre sus pasos o dejarse llevar por una asociación inesperada. En esta serie, el color aparece a veces por motivos accidentales, con dosificaciones mayoritariamente gentiles, más que por una decisión.

Zusmanas Gurvicius vivió la falta y la pérdida de su nombre original y por ende una parte de su identidad cuando vino de su Lituania natal a Montevideo. Sucedió en la Escuela Chile al no entender que su padre tuviera el apellido Gurvich y él, Gurvicius; además de tener problemas con “Zusmanas”. No sería entonces un absurdo asumir que su sensibilidad y sutil saboreo con los ojos viene de la nostalgia, o de una búsqueda con su humanidad en la humanidad toda.

Más que una voz que habla, en esta exposición la ciudad canta en una suerte de sinestesia en los ojos de uno de los más excepcionales maestros que el Taller Torres García vio nacer. Las obras son de entre 1946 y 1968, pero la organización espacial ignora toda narrativa lineal, se vuelve más bien rizomática. Esto hace más fácil apreciar cómo diferentes intereses y ejecuciones operaron sobre esta etapa de la obra de Gurvich. Es importante destacar que esto es una selección de su vastísima producción, que abarcó óleos, terracotas, murales, dibujos, acuarelas, entre otras técnicas de la plástica. De estética profundamente propias del universalismo constructivo, se expone el excepcional dominio de los parámetros conceptuales y compositivos torresgarcianos; como su propia vanguardia dentro del movimiento con la ruptura de ciertas reglas. Desde la aparición del verde que Joaquín Torres García rechazaba rotundamente, hasta la composición por momentos más descontracturada y puesta en juego con sus propios símbolos.

Apuntes, bocetos, registros e incluso notas con un tono personal adquieren protagonismo y revelan su particular mirada al trabajar como artista. El proceso de una obra es fundamental para poder entender la mirada ajena. Sin presencia de una inestabilidad, de un inacabado, se perderían sus tanteos y las zonas de búsqueda si la exposición privilegiase a las obras acabadas.

"Cotidiano" (1962). Acuarela y tinta sobre papel. 10 x 13 cm.

La Ciudad Vieja también aparece como paisaje de relevancia. Lo hace como un lugar eléctrico, con su puerto como entrada a este mundo de cines y teatros y cafés y tertulias. En una excelente época de la cultura en Montevideo, Gurvich captura un fuerte espíritu bohemio que es teatralizado en un escenario vivo de noches que parecían ser más largas a las de hoy.

"Ritmos de ciudad" (1952). Acuarela y tinta sobre papel. 22,5 x 16 cm.

Aun así, el Cerro que acogió a Gurvich en una etapa decisiva de su vida es el indiscutible protagonista de esta muestra, y se presenta como un paisaje social. Allí se ordenan la bahía y su playa, los frigoríficos y las viviendas modestas; al igual los animales, las comunidades, vecinos y humildes actividades cotidianas que sostenían la economía doméstica. 

Estos retratos populares convergen de manera natural con simbologías torresgarcianas de las más poéticas. Deja ver a su vez su humor y lirismo, y una de las flexibilidades más propias y destacables de esas estrictas reglas simbólicas: el abrazo. Algo por fuera de las reglas estrictas de Torres y que habla del humanismo de Gurvich. Signo de la armonía universal y fraternidad, "el par" o "la dupla" que en él suelen tener dimensiones tan cósmicas —como en, valga la redundancia, Pareja Cósmica (1966) o Javer y Javerá (1968)— llegan a una simbiosis igual de profunda pero en los paisajes urbanos que le interesaban: en el contexto de los obreros. Esta operación de saber trascender una imagen o devolverle su naturalidad, convierten entrañables al humanismo y la afectividad de su obra y ese símbolo.

"Almuerzo en el Cerro" (circa 1959). Acuarela, tinta y lápez sobre papel - 14 x 17 cm.

Hay en esas escenas una atención poco escandalosa a los habitantes del barrio. Algunos con particularidades en el cuerpo como El Manco o el muy observado vecino Perdomo; personaje del que Gurvich solo rescata aspectos simples. Renuncia a conocerlo íntimamente, lo retrata con sus perros negros que lleva hacia la playa y después se sienta, de espaldas a él, a contemplar el horizonte con la vista del río. Lo mira, lo individualiza y le concede un lugar en su dibujo.

Composición (sin fecha). Acuarela, tinta y lápiz sobre papel - 7,5 x 11,5 cm.

“El artista necesita dibujar o pintar el mundo para pertenecer”, reconoce Enrique Aguerre. No basta con integrar la cotidianidad del paisaje. El pienso detrás del dibujo lo convierte en un proceso robusto. Gurvich encontraba en aquella comunidad una forma de vida que observaba con respeto y admiración, sin condescendencia. Él mismo se reconocía como un trabajador; como un “obrero del arte”. Las responsabilidades se ejecutaban con la misma seriedad con que veía trabajar a los hombres y mujeres del barrio. Su práctica de dibujo era también una forma de relacionarse con ese entorno y de reconocerse en él.

"Cristina", sin fecha. Acuarela y tinta sobre papel. 16 x 24 cm.

Su casa en calle Polonia era la última de la urbanización del Cerro en esa semi ruralidad obrera y repleta de inmigrantes. Arquitecturas de una perspectiva impecable también son capturadas con una esencia muy campesina. La humanidad del registro agrega contundencia y profunda intimidad a esta muestra. Se comía salteado y no por dieta; en una anotación de reflexiones estéticas se lee en grande la frase “hoy fui a comprar un pollo”. La intelectualidad se funde con las necesidades más cotidianas.

Fotografía tomada en calle Polonia (circa 1963). Gurvich mirando a la Bahía.

La fotografía que recibe al espectador y coquetea con el texto curatorial, mira a un Gurvich de mirada poética reflejado en la ventana del balcón de su taller. Aparece mirando a la Bahía y el Puerto y su sombra se opone a su reflejo; se multiplican hacia esa ciudad. Dentro de su taller, su mirada se pierde en el afuera. Su entorno diario y sencillo abunda en espesor, e invita a observar con la misma atención escenas que nacen como paisajes, muchas incluso con encuadres muy cinematográficos.

Esta selección del trabajo de Gurvich invita a tener humor y respeto, a sentir ternura y vértigo, y a meterse de lleno en un mundo que captura con gran virtuosismo. Los soportes son tan humildes como sus retratos, y exponen una época de necesidad mientras abren una lectura más sensible que acerca a entender cómo esta muestra se expresa poéticamente.