Cada vez hay menos películas en las que cada decisión parece responder a una necesidad concreta. En las que un plano, un movimiento de cámara, un encuadre o un silencio no están ahí por casualidad, sino que forman parte de una construcción narrativa y emocional que encuentra su razón de ser en aquello que se quiere transmitir. Josephine (2026), la segunda película de la brasileña-estadounidense Beth de Araújo, es palabras mayores cuando hablamos de pensar lo que se filma. La obra es extraordinariamente precisa en su forma, y hay un gran trabajo de la directora que posiciona a la película entre las mejores del año… aunque posiblemente pase desapercibida por su carácter independiente, a pesar de haber sido premiada en Sundance con el Gran Premio del Jurado y el Premio del Público.

La historia comienza con una situación aterradora. Josephine (Mason Reeves), una niña de ocho años, acompaña a su padre Damien (Channing Tatum) a correr por el Golden Gate Park de San Francisco. Allí, la niña, presencia una violación. El hombre es detenido, pero lo que para los adultos podría parecer el final de un episodio traumático es, en realidad, el comienzo de algo mucho más complicado. Josephine no consigue comprender del todo lo que acaba de ver, pero tampoco puede desprenderse de ello. Su comportamiento cambia, aparecen episodios de violencia, paranoia y una necesidad cada vez más desesperada de recuperar la sensación de seguridad. Mientras tanto, sus padres, Damien y Claire (Gemma Chan), tampoco saben que hacer e intentan encontrar la manera de acompañarla, aunque sus propias experiencias y temores también condicionan la forma en que enfrentan lo que pasó.

Desde sus primeros minutos, Josephine toma una decisión que merece detenerse a analizar, que es mostrar explícitamente la agresión sexual que desencadena el relato. Eso siempre es una elección delicada, tanto por la naturaleza de lo representado como por el riesgo de convertir una situación de violencia en un recurso de impacto visual. No es poco frecuente encontrar películas que recurren a este tipo de escenas sin una verdadera justificación narrativa y de manera bastante irresponsable, porque terminan estetizando aquello que deberían abordar con responsabilidad. Acá, sin embargo, la decisión está profundamente vinculada con el punto de vista de la protagonista.

En un Q&A que Beth de Araújo realizó en Londres, en el marco del Festival de Cine de la capital inglesa al que pudimos asistir, y antes de una entrevista exclusiva con LatidoBEAT, la directora explicó que necesitaba que el espectador viera lo ocurrido para poder comprender verdaderamente qué es lo que aterroriza a Josephine. De lo contrario, consideraba que podía perderse una parte fundamental de la conexión con la experiencia de la niña. No se trata de una provocación ni de una búsqueda de crudeza por sí misma sino de establecer con claridad el hecho a partir del cual se construye todo lo demás.

Lo más interesante de la película, sin embargo, aparece después. De Araújo encuentra una forma cinematográfica de representar aquello que resulta mucho más difícil de poner en palabras y es cómo un episodio traumático altera la percepción del mundo de una niña que todavía está intentando comprenderlo. La casa, la escuela y los espacios cotidianos dejan de ser lugares necesariamente seguros. Las personas que la rodean pueden convertirse en amenazas y aquello que no está presente físicamente comienza a ocupar cada vez más espacio en su imaginación.

Es allí donde Josephine adquiere dimensiones de un relato de terror. No porque la directora se haya propuesto filmar una película de género, sino porque consigue que el espectador experimente una parte del miedo que atraviesa a su protagonista. En entrevista con LatidoBEAT, de Araújo explicó que esa construcción fue creciendo durante las distintas versiones del guion. Su punto de partida era entender la mente de Josephine: “Creo que fue algo que se fue construyendo poco a poco, con cada borrador, y que fui sumando capas y más capas a medida que avanzaba en el proceso. Y, ya sabés, nunca me propuse hacer una película de terror, ni un thriller, ni nada por el estilo”. Agregó: “En realidad, pienso en la mente de este personaje en particular. Creo que Josephine está experimentando un miedo real y un estado de hipervigilancia auténtico, y eso fue lo que me llevó a construir un mundo de determinado tipo, que ella percibe como algo muy opresivo”.

La explicación permite entender una de las decisiones más inquietantes del largometraje. En un punto vemos la aparición imaginaria del agresor en los espacios que Josephine habita. La amenaza no necesita materializarse para sentirse presente. Basta con que la niña imagine que ese hombre está allí, compartiendo su habitación, para que el espacio se transforme por completo. La puesta en escena consigue que el espectador comparta esa percepción y experimente una tensión que resulta difícil de sacudirse. En el Q&A londinense, la directora mencionó dos influencias sobre esta decisión: Taxi Driver (1976), por la manera en que la percepción del protagonista transforma progresivamente el mundo en un lugar oscuro y peligroso, y Un profeta (2009), de Jacques Audiard, por el recurso de introducir en el espacio de un personaje a alguien que existe en su imaginación.

De Araújo contó que una de las escenas en las que Josephine cierra la ventana de su habitación fue importante para encontrar ese recurso. Al leerla, sintió que el público no iba a experimentar el mismo miedo que la niña si no encontraba una manera de hacer visible lo que ella estaba imaginando. La solución terminó modificando el guion y convirtiéndose en un elemento recurrente. Es una decisión que resume buena parte de la inteligencia formal de la película.

Mason Reeves en “Josephine” (2026), Beth De Araújo

Esa búsqueda atraviesa toda la puesta en escena. Hay planos y movimientos de cámara que podrían parecer estilizados por sí mismos, pero que toman pleno sentido cuando se comprende qué están intentando transmitir.

Es difícil encontrar una mejor síntesis de lo que hace Josephine más que cada decisión formal está al servicio de una sensación, de una perspectiva o de un momento emocional. Incluso cuando se permite apartarse de una puesta en escena más convencional, nunca parece hacerlo para exhibir sus recursos. La forma y el contenido avanzan en la misma dirección, y eso es sumamente rico en el panorama actual del cine donde la cantidad de contenido disponible sin dudas hace que algunas cosas se filmen en piloto automático.

El conflicto tampoco se limita a la experiencia de la niña. Damien y Claire son dos padres que aman profundamente a su hija, pero que no encuentran la misma manera de ayudarla. En nuestra conversación con LatidoBEAT, la actriz Gemma Chan explicó que ambos personajes están atravesados por sus propios traumas, sus experiencias pasadas y la forma en que fueron criados:

“Ambos aman muchísimo a su hija, pero también están lidiando con sus propios traumas del pasado que no han resuelto, con cosas que les han sucedido y con la manera en que ellos mismos fueron criados. Y todo eso influye en cada una de sus decisiones. Creo que Damien quiere poder hablar con certeza y decirle: ‘Esto nunca te va a pasar. Si hacés esto y aquello, si aprendés defensa personal, nunca te va a pasar’. Mientras que Claire, lamentablemente, entiende que el mundo no es tan blanco y negro, que pueden suceder cosas malas y que uno tiene que encontrar la resiliencia necesaria para poder superarlas de otra manera. No creo que ninguno de los dos tenga toda la razón ni esté completamente equivocado. Puedo entender ambas perspectivas, y eso fue algo que percibí claramente cuando leí el guion”.

Gemma Chan y Mason Reeves en “Josephine” (2026), Beth De Araújo

Las actuaciones son otro de los grandes aciertos de la película. La niña Mason Reeves entrega una interpretación extraordinaria, especialmente considerando que se trata de su primera película. Su trabajo exige transitar emociones muy complejas sin perder nunca de vista que Josephine sigue siendo una pequeña. Hay algo que realmente conmueve en su capacidad para expresar el miedo, la confusión y la progresiva transformación de su personaje sin recurrir a gestos grandilocuentes. En el Q&A, de Araújo contó que Mason nunca leyó el guion completo y que trabajaron con ejercicios de memoria emocional para preparar las distintas escenas, procurando siempre que tuviera una experiencia segura durante el rodaje, teniendo en cuenta la exposición a un tema tan delicado a una edad tan temprana. También destacó que sus padres estuvieron presentes todos los días y que se buscó mantener un ambiente distendido entre tomas.

En nuestra entrevista, aparte, la directora también destacó la oportunidad que tuvo Reeves de observar el trabajo de dos intérpretes experimentados como Tatum y Chan. De hecho, aseguró que ambos le facilitaron enormemente su tarea y le permitieron concentrarse especialmente en acompañar el proceso de la joven actriz. Chan construye una madre atravesada por la impotencia y la necesidad de encontrar una respuesta ante algo que excede cualquier herramienta que pueda ofrecerle. Tatum entrega una actuación especialmente sólida. Lejos de los registros más habituales de su carrera, acá compone un padre cuya necesidad de proteger a su hija convive con sus propias limitaciones y contradicciones. Es un papel que merecería incluso más tiempo en pantalla.

Que una película de estas características haya conseguido concretarse también habla de su naturaleza independiente. Durante el Q&A, la directora reveló que el proyecto demoró 11 años en llegar a su estreno en Sundance y que inicialmente hubo dificultades para conseguir financiamiento. La temática, su condición de directora debutante en aquel momento y las limitaciones que implicaba trabajar con una niña en el rodaje hicieron que varios potenciales inversores dudaran. La incorporación de Tatum y Chan, ambos también productores, resultó fundamental para que finalmente pudiera realizarse.

Josephine es una película difícil, por momentos devastadora, pero también profundamente sensible. No ofrece soluciones tranquilizadoras ni pretende simplificar las consecuencias de una experiencia así de traumática. Su mirada se detiene en aquello que permanece después de la violencia, en las formas en que el miedo se instala y en la dificultad de recuperar una seguridad que alguna vez pareció natural. Pero, por encima de todo, es una demostración de lo que puede conseguir el cine cuando cada decisión tiene un propósito. Beth de Araújo no necesita subrayar sus intenciones ni explicar lo que sus personajes sienten, encuentra imágenes, sonidos y movimientos capaces de transmitirlo. Y la verdad que el resultado es extraordinario.